Nabucco all’arena di Verona: quando l’opera diventa visione

di Federica D’Arpino

La rilettura contemporanea di Stefano Poda trasforma il capolavoro verdiano in un grande rito collettivo di luce, conflitto e riconciliazione, nel quale la monumentalità dell’Arena incontra la forza universale della musica

Abstract: L’incontro tra Nabucco e l’Arena di Verona appartiene a quella particolare dimensione dello spettacolo nella quale musica, memoria storica, architettura e linguaggio scenico finiscono per superare i rispettivi confini, generando un’esperienza culturale difficilmente riconducibile alla sola rappresentazione teatrale. Nell’allestimento ideato da Stefano Poda, riproposto nell’Arena Opera Festival 2026 dopo il debutto dell’anno precedente, l’opera verdiana viene attraversata da una grammatica visiva contemporanea, costruita attraverso luce, geometrie, masse, opposizioni cromatiche e grandi elementi simbolici che trasferiscono il conflitto biblico in una dimensione universale. Guerra e riconciliazione, potere e fragilità, identità e alterità diventano così i poli di una rappresentazione nella quale la tradizione non viene semplicemente conservata, ma interrogata attraverso il presente. Al centro rimane il coro, autentico soggetto collettivo del dramma verdiano, e con esso quel “Va, pensiero” che nell’immenso spazio dell’anfiteatro romano continua a trasformare l’ascolto individuale in memoria condivisa.

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Quando il luogo diventa parte dell’opera

Ci sono luoghi che, da soli, valgono il viaggio e spettacoli capaci di trasformare una serata in un ricordo destinato a rimanere. Assistere al Nabucco di Giuseppe Verdi nell’Arena di Verona significa vivere entrambe queste esperienze, perché nell’anfiteatro veronese il confine tra opera, spazio e pubblico diventa progressivamente più sottile, fino a rendere difficile stabilire dove termini la rappresentazione e dove cominci quella dimensione collettiva che soltanto alcuni luoghi della cultura riescono ancora a generare.

Non si tratta semplicemente della suggestione di ascoltare Verdi all’interno di un monumento antico. L’Arena modifica inevitabilmente la percezione dello spettacolo: le dimensioni dello spazio, le gradinate gremite, il cielo aperto sopra il palcoscenico e la presenza contemporanea di migliaia di spettatori sottraggono l’opera alla dimensione raccolta del teatro tradizionale per restituirla a quella del grande rito pubblico.

Nabucco sembra possedere, forse più di altre opere, le caratteristiche necessarie per abitare uno spazio di queste proporzioni. La stessa Fondazione Arena lo definisce il “dramma corale per eccellenza” e la produzione del 2026, articolata in dieci rappresentazioni tra il 26 giugno e il 9 settembre, ripropone l’allestimento concepito da Stefano Poda per l’edizione 2025.

Un Nabucco oltre la ricostruzione storica

L’idea scenica di Stefano Poda, responsabile non soltanto della regia, ma anche di scene, costumi, luci e coreografie, rinuncia deliberatamente alla ricostruzione archeologica dell’antica Babilonia. Il racconto viene trasferito in uno spazio astratto e simbolico, nel quale la vicenda degli Ebrei e dei Babilonesi diventa rappresentazione di qualcosa di più vasto: la divisione dell’umanità e la sua possibile riconciliazione.

È questo il nucleo concettuale che permette di comprendere un allestimento che, osservato soltanto attraverso la lente della tradizione, potrebbe apparire persino spiazzante. La Fondazione Arena descrive infatti questa lettura come un conflitto tra opposti destinati infine a ricongiungersi in un’unità universale.

La scena è dominata da grandi strutture geometriche e luminose. Due enormi semisfere si attraggono e si respingono come particelle elementari; un piano inclinato diventa labirinto; due popoli vengono contrapposti attraverso colori, materiali e movimenti; una scala vertiginosa conduce verso una clessidra, richiamando il trascorrere del tempo. Sono immagini attraverso le quali Poda condensa guerra, deportazione, ambizione, amore, conversione e pacificazione, costruendo un vocabolario visivo che non pretende di illustrare letteralmente il libretto di Temistocle Solera, ma cerca piuttosto di renderne percepibili le tensioni profonde. Ed è probabilmente proprio questa la caratteristica più affascinante dello spettacolo: la capacità di essere monumentale senza diventare semplicemente decorativo.

La luce come materia scenica

Nell’immensità dell’Arena la luce non accompagna semplicemente la rappresentazione, ma diviene essa stessa scenografia. Attraversa i costumi, definisce le masse, modifica le geometrie e arriva idealmente a coinvolgere le gradinate dell’anfiteatro, facendo dialogare il palcoscenico contemporaneo con una costruzione che appartiene a un tempo lontanissimo.

Ne deriva una continua oscillazione tra antico e contemporaneo. Il luogo rimane inequivocabilmente romano, la musica appartiene all’Ottocento italiano, mentre il linguaggio visuale utilizza categorie che sembrano provenire dall’arte contemporanea, dall’installazione, dalla moda e perfino dall’immaginario scientifico.

Non è una sovrapposizione priva di rischi. Una regia così fortemente caratterizzata inevitabilmente divide e può risultare meno immediata a chi cerchi nel melodramma una rappresentazione maggiormente narrativa; proprio questa radicalità, tuttavia, impedisce all’opera di trasformarsi in una semplice celebrazione museale della propria grandezza. Poda non ricostruisce Babilonia: utilizza Babilonia per parlare dell’uomo.

E allora quelle due forme che continuamente si cercano e si respingono possono diventare immagine di popoli, individui, religioni, culture, ma anche delle contraddizioni presenti dentro ciascun essere umano. Il conflitto non appartiene più soltanto agli Ebrei e ai Babilonesi: appartiene alla condizione umana.

Verdi, il popolo e la costruzione di una memoria italiana

C’è però un elemento davanti al quale qualsiasi rilettura contemporanea deve necessariamente misurarsi: la straordinaria stratificazione storica e culturale che accompagna Nabucco dalla sua prima rappresentazione alla Scala nel 1842.

Il rapporto tra Verdi e il Risorgimento è più complesso di quanto una certa narrazione popolare abbia successivamente cristallizzato, ma resta indiscutibile che opere come Nabucco e I Lombardi alla prima crociata abbiano contribuito alla costruzione del mito di Verdi patriota e che, attraverso le vicende di popoli oppressi, il pubblico italiano abbia potuto riconoscervi aspirazioni alla libertà destinate a legarsi profondamente all’immaginario risorgimentale.

È in questa stratificazione che il “Va, pensiero, sull’ali dorate” ha progressivamente oltrepassato i confini dell’opera dalla quale proviene.

Ascoltarlo in Arena produce allora un effetto particolare. Dopo la monumentalità delle scene e il movimento delle masse, arriva un momento nel quale tutto sembra concentrarsi sulla voce collettiva. Migliaia di spettatori smettono di essere semplicemente individui seduti gli uni accanto agli altri e partecipano, almeno per alcuni minuti, alla medesima esperienza. È forse qui che Nabucco rivela la propria modernità più profonda.

Il coro degli Ebrei non racconta soltanto la nostalgia di un popolo deportato. Parla della memoria, dell’appartenenza, della perdita e del desiderio di ritrovare ciò che definisce la propria identità. Ed è precisamente questa capacità di trasformare una vicenda determinata in sentimento universale a consentire alla musica di Verdi di attraversare quasi due secoli senza perdere la propria forza.

La tradizione non è immobilità

Il Nabucco dell’Arena pone quindi una questione che supera la valutazione del singolo spettacolo: che cosa significa oggi essere fedeli a un capolavoro?

La risposta offerta da questa produzione sembra essere che fedeltà e conservazione non coincidano necessariamente. Conservare significa preservare; essere fedeli può significare anche interrogare un’opera, consentendole di continuare a produrre significato nel presente.

La musica rimane naturalmente il centro irrinunciabile di questo processo. Per l’edizione 2026 Fondazione Arena ha riunito interpreti internazionali alternandoli nelle diverse recite, con Michele Spotti e Sebastiano Rolli sul podio e, nel ruolo di Nabucco, artisti quali Amartuvshin Enkhbat, Ludovic Tézier, Youngjun Park e Luca Salsi; per Abigaille si alternano Maria José Siri, Olga Maslova e Marta Torbidoni.

Ma intorno alla partitura viene costruito un universo visuale che cerca di parlare allo spettatore contemporaneo senza cancellare la natura originaria dell’opera.

Ed è significativo che tutto questo accada proprio nell’Arena: uno spazio antico che sopravvive perché continua a essere utilizzato, non perché viene sottratto alla contemporaneità.

Quando lo spettacolo diventa esperienza culturale

Alla fine rimane una sensazione difficile da restituire attraverso la sola descrizione. Si può raccontare la scena, analizzare la regia, ricostruire il rapporto tra Verdi e il Risorgimento, discutere la modernità dell’allestimento e persino interrogarsi sui significati delle sue geometrie. Ma esiste una componente dell’esperienza teatrale che continua ostinatamente a sottrarsi alla spiegazione.

È quella che nasce quando un luogo, una musica e una comunità temporanea di spettatori si incontrano nello stesso momento.

L’Arena di Verona continua a dimostrare che la grande opera può appartenere alla storia senza diventare prigioniera della storia e che tradizione e innovazione non rappresentano necessariamente due forze contrapposte, purché la seconda non pretenda di cancellare la prima e la prima non diventi un alibi per rinunciare a interpretare il presente.

Nabucco, in questa lettura, non è soltanto il racconto di un sovrano, di due popoli e di un conflitto antico. È una riflessione sull’identità, sulla divisione, sulla violenza del potere e sulla possibilità della riconciliazione. Temi antichi quanto l’umanità e, proprio per questo, drammaticamente contemporanei.

Quando infine le luci dell’Arena si spengono e il pubblico abbandona lentamente le gradinate, ciò che rimane non è soltanto il ricordo di uno spettacolo grandioso. Rimane la percezione di avere partecipato, per qualche ora, a qualcosa che unisce storia, musica, architettura e comunità. Ed è forse questa la ragione per cui continuiamo ad avere bisogno del teatro: perché alcuni capolavori non sopravvivono semplicemente al tempo. Continuano a interrogarlo.